Después de 27 años dedicados a las artes escénicas para la primera infancia, la infancia y la juventud, hay una pregunta que sigue acompañándonos en DA.TE Danza: ¿qué puede hacer la danza cuando sale del escenario y entra en otros espacios de la sociedad? A lo largo de nuestra trayectoria hemos trabajado con bebés, infancia, adolescentes, familias, comunidades educativas, personas en riesgo de exclusión y población penitenciaria. Experiencias que nos han permitido comprender que la danza no es solamente una disciplina artística, sino también una herramienta para conocer, escuchar, relacionarnos y generar vínculos. Cada encuentro nos ha llevado a cuestionar nuestra propia práctica y a descubrir otras formas de entender el movimiento, la creación y la participación.

Una de estas experiencias ha sido Cuerpos que hablan, un proyecto desarrollado en los Colegios de Educación Especial Santa Teresa de Jesús y Purísima Concepción, en Granada, dentro del Programa Andaluz de Arte y Educación, con la participación de aproximadamente 40 alumnas y alumnos con diferentes capacidades y necesidades de apoyo. Una experiencia que nos ha permitido profundizar en algo que consideramos esencial: el cuerpo es mucho más que aquello que podemos observar desde fuera. Está atravesado por la gravedad, la respiración, el movimiento, el espacio y las emociones, pero también por nuestras experiencias y por el contexto social, educativo y afectivo que habitamos. Cada persona construye así su propia geografía emocional, una manera singular de estar y relacionarse con el mundo.

Desde esta perspectiva, el arte no debería intervenir para corregir el cuerpo ni para imponerle una determinada manera de moverse. Su capacidad transformadora aparece cuando somos capaces de escucharlo y generar las condiciones para que pueda expresarse. Porque la danza no tiene que consistir necesariamente en aprender pasos o reproducir movimientos. Puede ser respirar, sentir el peso, mirar, acercarse, alejarse o descubrir que nuestro cuerpo puede comunicarse con otro. La danza también sucede en aquello que aparentemente permanece inmóvil. Y reconocerlo implica ampliar nuestra mirada sobre qué entendemos por expresión artística y quiénes pueden participar en ella.

En Cuerpos que hablan comenzamos a trabajar desde una pregunta aparentemente sencilla: ¿qué nos están diciendo estos cuerpos? Porque los cuerpos hablan, aunque no utilicen palabras. Hablan a través de una mirada, un gesto, una respiración, un movimiento, una pausa o incluso una distancia. No buscábamos que todas las personas hicieran lo mismo, ni alcanzar una técnica o encontrar una respuesta correcta. Queríamos crear las condiciones para que cada participante pudiera explorar y expresarse desde sus propias posibilidades. Esta manera de trabajar transforma también nuestra posición como artistas. Dejamos de preguntarnos qué es capaz de hacer una persona para empezar a preguntarnos qué nos está queriendo decir. Un movimiento espontáneo puede convertirse en comunicación, una mirada puede ser una respuesta y permanecer dentro de una propuesta compartida puede representar un logro de enorme significado.

Este proceso nos ha enseñado que, antes de cualquier exploración artística, necesitamos construir un espacio de seguridad. Después aparece la conexión y, desde ella, podemos llegar a la exploración, la relación y el aprendizaje. Seguridad, conexión, exploración, relación y aprendizaje. Esta secuencia se ha convertido en una referencia fundamental para nuestro trabajo. No podemos pedirle a una persona que explore si todavía no se siente segura, que se relacione si necesita encontrar su propio espacio o que se exprese si constantemente le estamos indicando cómo debe hacerlo. Por eso, nuestra labor consiste muchas veces más en acompañar que en dirigir, en observar antes que intervenir y en comprender que cada proceso necesita sus propios tiempos.

Y aquí aparece una palabra que considero fundamental: inclusión. Incluir no significa conseguir que todas las personas hagan lo mismo. Significa crear las condiciones para que cada una pueda participar de manera significativa. Cada cuerpo tiene su propio ritmo, su manera de percibir, de sentir, de comunicarse y de relacionarse. La singularidad no es algo que debamos corregir; es nuestro punto de partida. Durante el proyecto hemos observado cambios en la participación, la iniciativa, la disposición al movimiento, la interacción y la confianza dentro del espacio compartido. Sin embargo, también hemos comprendido que no todos los avances pueden medirse con los mismos criterios. Para una persona, avanzar puede significar iniciar un movimiento; para otra, acercarse a alguien, aceptar una interacción, permanecer junto al grupo o, simplemente, descubrir que ese espacio también le pertenece.

Esta experiencia nos invita igualmente a reflexionar sobre el lugar que ocupa el arte en la educación. El arte dentro de la escuela no debería entenderse únicamente como una actividad complementaria. Puede formar parte de los propios procesos educativos, abrir nuevas formas de conocimiento y ampliar las posibilidades de comunicación y convivencia. Democratizar la cultura también implica llevar la creación artística a aquellos contextos donde habitualmente tiene una presencia limitada, reconociendo que todas las personas tienen derecho no solamente a acceder al arte, sino también a experimentarlo y participar en sus procesos. La danza puede complementar los caminos que ya ofrecen los centros de formación artística, pero también puede abrir otras vías de aprendizaje a través de la experiencia corporal.

Para nosotros, la escuela es también un espacio de investigación artística. Un lugar donde detenernos, observar, cuestionar y experimentar. No llegamos únicamente para ofrecer respuestas o transmitir conocimientos, sino también para hacernos nuevas preguntas. Y esto resulta especialmente importante porque los artistas también necesitamos aprender de los espacios y de las personas con las que trabajamos. Hemos aprendido a mirar más, a esperar, a no anticipar las respuestas y a reconocer iniciativas que, desde una mirada convencional, podrían pasar inadvertidas. Hemos aprendido que nuestro papel no siempre consiste en dirigir lo que sucede, sino en crear las condiciones para que algo pueda suceder. Y que, cuando estamos verdaderamente dispuestos a escuchar, nuestra propia manera de entender la creación artística también puede transformarse.

Vivimos, además, un momento en el que las nuevas generaciones construyen parte de sus relaciones y experiencias en entornos digitales y audiovisuales. Aparecen nuevas formas de mirar, de comunicarse y de relacionarse con la imagen y el movimiento. Frente a esta realidad, considero que cuanto más virtual se vuelve nuestro entorno, más necesario resulta experimentar el cuerpo real. Su peso, sus límites, sus posibilidades y su relación con otros cuerpos. Hay conocimientos que solamente aparecen cuando los atravesamos desde nuestra propia experiencia corporal, cuando sentimos, percibimos y compartimos un espacio con otras personas.

Por todo ello, Cuerpos que hablan no ha pretendido simplemente llevar danza a la escuela. Ha buscado abrir un espacio de encuentro entre el arte, la educación y la sociedad. Un lugar donde la cultura sea accesible, donde cada cuerpo pueda encontrar su propia manera de participar y donde los artistas también podamos dejarnos transformar por aquello que encontramos. Después de tantos años dedicados a la danza, experiencias como esta me recuerdan que todavía tenemos mucho que aprender cuando realmente estamos dispuestos a escuchar.

Porque, al final, hemos encontrado cuerpos que sienten, que exploran, que se acercan, que necesitan distancia, que se relacionan, que participan y que aprenden. Pero, sobre todo, cuerpos que tienen algo que decir y merecen ser escuchados.